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sábado, 23 de julio de 2011

Amy Winehouse QPD. Vivió rápido, muere jóven

 
Pero no deja un cadáver bien parecido... Amy Jade Winehouse (Londres, 14 de septiembre de 1983 — Londres, 23 de julio de 2011) cantante y compositora conocida mundialmente por su registro vocal, un contralto "acústicamente poderoso", que le facilitó mezclar de manera brillante diversos géneros musicales "clásicos" y "contemporáneos" (soul, jazz, R&B, rock & roll y ska) fue hallada muerta hoy sábado 23 de julio (a este mes le encantan los cantores) en su piso del barrio de Camden, al norte de Londres, según informa la agencia Press Association.
Es en momentos como este, cuando nos hacemos vulnerables a la metafísica, que se nos ocurre pensar en las asociaciones "kármicas" que nos comportan los nombres que debemos portar: Ami "tenía cara de llamarse" Jade, ninguna otra estrella del expectáculo o el modelaje proyectaba tantas y tan profundas semejanzas con el color y la naturaleza de esa mística piedra (demasiado evidente para algunos diseñadores de modas como Karl Lagerfeld); y ni qué decir de su Winehouse, era indudablemente, una "Casa del vino".
Marcada así con esa carga de "humor divino", Ami se dedicó a "andar de cabeza contra el mundo", protagonizando una vertiginosa y agitada carrera, que comenzó en 2003 con el álbum Frank ("homenaje" a Sinatra), nominado por los premios Mercury Prize y se consolidó en 2006 con Back to black, su segundo álbum de estudio, que le otorgó cinco Premios Grammy por Canción del año, Grabación del año y Mejor Artista Nuevo, entre otras de seis nominaciones; con lo cual obuvo el récord de ser la primera artista británica ganadora de cinco Grammys y la primera mujer en ganar la mayor cantidad de reconocimientos en una sola noche.
En febrero de 2007, ganó el BRIT Award a Mejor Artista Británica. También ganó un World Music Award y tres Premios Ivor Novello a la Mejor Canción Contemporánea por su single Stronger Than Me. El mismo año, la cantante se presentó en el Festival de Glastonbury y en el V Festival, entre otros acontecimientos notables. 
Al final, Ami, a esta hora cuando estarás en tu "Casa" reunida con Cobain, Morrison, Hendrix y la  Joplin, pódrás envanecerte de haber tenido razón: El amor es un juego perdido.

miércoles, 15 de junio de 2011

Maese Claudio Bravo, por fín podrá descansar de su angustia creadora


Claudio Bravo Camús, (Valparaíso, Chile, 8 de noviembre de 1936,Taroudant, Marruecos, 4 de junio de 2011 ). Que, en el mundo de las artes plásticas, el respeto a la tradición metodológica y la audacia conceptual para adecuar los textos a las imposiciones semióticas de la modernidad no son incompatibles, lo demuestra con inobjetables argumentos visuales la obra del maestro hiperrealista Claudio Bravo, quien trabajó siempre más allá de las vanguardias, como si el tiempo se adormeciera en su taller y las estridencias discursivas de las nuevas tendencias generacionales (transgresión y ruptura) se doblegaran ante su trazo.  
Con las técnicas del óleo, el dibujo al carboncillo, el pastel y el grabado, el maestro Bravo consiguió una renovada visión de lo más selecto de la tradición lumínica (claroscuro y difuminos) y de lo más puro y esencial de lo que podríamos llamar “contemporáneo” en el trazo y la mise-en-scène de los modelos. Su producción abordó un amplio espectro temático desde retratos y bodegones hasta la exégesis religiosa y la iconografía mística.
Es así como, por ejemplo, en Las tentaciones de San Antonio (un tema profusamente trabajado por pintores de la talla de Velázquez, el Bosco y Dalí) Bravo minimaliza el “mensaje” religioso para agregar elementos divergentes que dan contemporaneidad al horizonte de lecturas posibles. En su Cristo yaciente (imposible no evocar a Mantegna) la “levedad” del cuerpo en su perfecta inmovilidad nos transmite la sensación de asistir a la levitación de una masa incorpórea.
La importancia del maestro Bravo para la historia del arte en Chile alcanza una trascendencia sólo comparable a la de Roberto Matta. Aunque, como lo expresó en una entrevista que ofreció a El Mercurio en 2009, Bravo se consideraba varios escalones más arriba que el pintor surrealista. "Me siento muy por encima de todos los pintores latinoamericanos. Soy el más importante del continente y el más cotizado en el mercado internacional hace mucho tiempo. Matta muerto no llega a mis precios de vivo (...). Está demostrado que, en el terreno artístico internacional, me como vivo a Matta", dijo sin temor a la polémica.
En esa misma entrevista habló de su relación con Chile, su madre patria: "Aún me queda un sucedáneo de hermano: Benjamín Lira, a quien yo considero el mejor pintor chileno después de mí. Pero perdí lazos familiares y sentimentales, y Chile está demasiado lejos. Vendí pésimo y la plata la regalé a dos instituciones de caridad. Pero si hoy me hacen una retrospectiva importante, ¡soy hasta capaz de quedarme quince días!", contó con cuotas de humor.
Pero si su relación con Chile pasó por períodos de distancia, el mayor reencuentro vino en 1994, con la primera exposición individual que hizo en el Museo de Bellas Artes. La muestra se transformó en una de las más visitadas del recinto ubicado en Parque Forestal, y posicionó definitivamente a Bravo en el lugar mayor que ocupa en el mundo artístico chileno.
Junto con Botero y Tamayo, era artista exclusivo de la Marlborough Gallery, donde su obra alcanzó los más altos niveles de cotización (sus desnudos al óleo sobre lino alcanzaron precios sobre el millón de dólares en las subastas de New York). En 2000 donó al Museo del Prado diecinueve esculturas greco-romanas de su colección y ese mismo año recibió de manos de los reyes de España la Gran Cruz de la Orden de Alfonso X el Sabio.
Un ataque de epilepsia le dio la pincelada final en plena actividad; aunque, como lo había declarado en 2009, la silueta de la parca no le era esquiva: "Estoy preparado para morir, si le viene la gana a Dios. Morir terminará con mi angustia de la creatividad, será acostarme y dormir bien eternamente. Estoy listo porque he cumplido con mis dones".

miércoles, 25 de mayo de 2011

El paredón del blog 14- Derek Gores, El valor estético del collage

Ana Leal Anguita es una granadina de fantasía. Estudiante, pienso que de artes plásticas, aunque  bien podría ser de sicología; amable en el trato, generosa porque sí y dueña de una enorme solidez conceptual, postea dos blogs Artes plásticas  y Metamorfosis, sobre artes plásticas y sicología, respectivamente (de ahí mi inferencia), logrando armonizar en ellos la sobriedad de los esquemas gráficos (diagramación y demás) con el deleite estético de las imágenes y el valor documental de la información que provee, lo cual los hace sitio imprescindible de consulta para estudiantes de arte y afines.
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Gracias al primero (Artes plásticas), cuyo cabezote ilustra esta entrada, descubrí el trabajo gráfico de Derek Gores, un artista que toma como insumo plástico el corte y pega, sustituyendo el pincel y la espátula por las tijeras y el adhesivo para producir una obra plena de matices en la cual el silueteado y la sobreposición obran el efecto de las luces, las sombras, los volúmenes, los trazos y las perspectivas tan preciadas en el carboncillo, la acuarela, el óleo o los acrílicos. Quienes quieran adherirlo en el facebook, clic en el nombre Derek Gores